Proyectos en Residencia

Estive presente em testemunho es una expresión portuguesa que hace referencia a la necesidad de la presencia corporal para ser testigo de un evento, y funciona aquí como oposición a la sensación de presencia e idealización de la vida de los demás que las redes sociales potencian. 

Las artistas trabajan en la primera fase de desarrollo de una instalación interactiva que toma como puntos de partida las técnicas ancestrales de pintura sin pincel a base de pigmentos naturales con las que Igi Ayedun trabaja junto con el modelado de objetos virtuales en 3D y el diseño de sonido habituales en la obra de Gabriel Massan. La interacción con los objetos se lleva a cabo a través de una app de realidad virtual y la colocación de sensores de movimiento que permiten a las visitantes activar los sonidos mediante su presencia.

En su estancia en Zaragoza Alexandra Drewchin trabaja en la producción de Flames Are but Dew upon my Skin, su siguiente álbum en PAN, acompañada de alumnas del Conservatorio Superior de Música de Aragón y otras músicas zaragozanas. La sala reverberante del Laboratorio de Sonido de Etopia, con su cola de casi 6 segundos, se convierte en compañera e instrumento principal para el proceso de composición y grabación, con la capacidad de integrar los temerarios arreglos de estilo neorromántico que ya empezamos a ver en sus trabajos anteriores con los sonidos derivados del procesado digital y la desgarradora sinceridad vocal que caracteriza a la artista.

Dorian Wood se apropia del sentimiento de no pertenencia que le ha acompañado a lo largo de su vida para plantear su residencia en FUGA. Canto de todes es un híbrido entre instalación sonora y performance de larga duración que invadirá los espacios comunes de Etopia durante 4 horas consecutivas; una investigación sobre “lo que no se ve, el mapa de nuestros privilegios, lo tuyo, lo que nunca será tuyo, infestaciones de voz, alma, piel, sangre migratoria.” 

Los materiales de esta instalación surgen a partir de un meticuloso proceso de documentación, a través de grabaciones de audio y vídeo, de las actividades cotidianas de Dorian en el edificio, sus momentos más íntimos, entrevistas con colectivos locales y colaboraciones con otras artistas.

A lo largo de los últimos años Khaela Maricich y Melissa Dyne han diseñado y aprendido a manejar un elaborado sistema de producción; una nave nodriza de sintetizadores modulares, samplers antiguos y equipo de producción de audio analógico.

Here and also Nowhere, es una serie de video-performances con los que persiguen documentar los elementos narrativos, sonoros y performativos desarrollados en esta nave nodriza analógica. El proyecto explora nuevos lenguajes, desarrollando actuaciones especialmente creadas para los espectadores que miran a través de la pantalla, pero también para el público asistente de forma física a las mismas. De esta manera buscan crear un puente de comunicación entre los contextos dispares y habitualmente desconectados de la música popular y el arte contemporáneo entre los que su práctica se mueve.

Khaela y Melissa trabajan en colaboración con la videógrafa Ana Escario.

XHOIR es una práctica vocal que trata de reincorporar el canto en grupo a la comunidad. Liderado por el músico y performer norteamericano Colin Self, este proyecto surgió en Nueva York en reacción a la falta de espacios de encuentro para la comunidad LGBTQ no ligados a la noche y las drogas, y como respuesta a la alienación y desafección en la era digital.

Partiendo de esta experiencia previa, XHOIR. Muchos mundos abre un espacio para personas LGBTQ y queer-friendly, con o sin formación vocal, con o sin experiencia en el canto coral, que deseen explorar su voz de manera colaborativa como herramienta para aprender o redefinir su relación con el canto y la escucha.

Self trabaja además con el coro femenino de orientación clásica Enchiriadis, que entra en diálogo con XHOIR, con el objetivo de difuminar las fronteras entre la práctica vocal académica y otros tipos de canto. El resultado es una colección de grabaciones, composiciones y notación musical, vocal y electrónica, desarrollada en coautoría con la comunidad local.

XHOIR. Muchos mundos acoge la diferencia y la diversidad, y propicia un entorno para que los participantes conecten con su voz alejándose de una jerarquía de virtuosismo vocal.

«Y si danzo y danzo y continúo haciéndolo hasta acabar con el sentido que se le ha impuesto a mi cuerpo, incluso sabiendo que es imposible liberarlo completamente de todos los poderes que lo atraviesan. Incluso así valdría la pena hacerlo, por el puro gusto de resistir, de sentir que por ahora soy yo el que pilota, que somos nosotros los que estamos a cargo».

Tomando como punto de partida la figura del gogó, Steven Warwick y Carlos María Romero trabajan junto a bailarines zaragozanos en una performance desarrollada específicamente para la residencia de Etopia.

Habitan y contaminan con cuerpos vivos y sonido un espacio originalmente diseñado para ser productivo y en flujo. Exploran a través del movimiento cuestiones contemporáneas como el capitalismo de las plataformas digitales, la aceleración de las emociones, la sensación de urgencia, la despolitización y la cosificación del cuerpo.

En esta «sede central» ficticia (HQ o HeadQuarters) el sonido está diseccionado y reducido a ritmos mínimos, propios de las pasarelas y las discotecas de ambiente. Una referencia a los sentimientos de aislamiento, ansiedad y reclamo de capacidad de influencia en la época actual, marcada por un preocupante populismo y crisis de identidad nacional.

Desarrollado con la colaboración de Laura Sorribes, Indward de Jesús, Iván Miguel, Sonia Lanuza, Pablo Lasala y Rosa Herrero.

HQ - (I Feel so Mezzaniney) ha sido presentado en London Contemporary Music Festival, el teatro Volksbühne de Berlín y Cabaret Voltaire en Zúrich.

Al introducir la profesión «músico» en la web de la BBC Will a robot take your job?, una recibe una respuesta tranquilizadora: «No muy probable (4%)».

Los trabajos más repetitivos o predecibles han sido históricamente reemplazados de manera progresiva por animales, máquinas, robots... En la actualidad los avances en inteligencia artificial nos plantean preguntas nuevas: ¿serán reemplazados por robots también los trabajos creativos?, ¿es deseable que eso ocurra?, si ni siquiera necesitamos ser creativos, ¿a qué nos dedicaremos los humanos?

En Aresta, un octeto de saxofones no precisa ya de saxofonistas. Cada instrumento actúa como cuerpo resonador para el altavoz que aloja en su interior y como soporte para un sistema de luces controlado remotamente. Convertidos en percha - máquina - lámpara - sistema de reproducción, los saxofones generan una ilusión de organicidad, de timbres diversos y de movimiento coreográfico a partir de algo puramente inerte e inmóvil.

El ordenador toma entonces el rol de compositor y crea los sonidos que alimentan la pieza a través de software de composición algorítmica y redes neuronales. El intérprete dialoga con los instrumentos automatizados en busca de establecer, a través de su cuerpo y su respiración, una conexión con el público.

Aresta funciona a la manera de un test de Turing donde se juzga si la máquina llega a emocionar tanto como el humano, que toca motivado por la pregunta: ¿cuánto de predecible tiene mi interpretación y cuánto de necesaria mi figura?

¿Cómo estrechar la brecha que existe entre la música acústica y la música digital? ¿Cómo sería un lenguaje escrito que articulara las peculiaridades de la música digital, como el tempo variable, la multidireccionalidad y las estructuras no lineales? ¿Cuál sería su representación gráfica?

En preparación para el desarrollo de una nueva pieza sinfónica, encargo de la Winnipeg Symphony Orchestra, Kara-Lis Coverdale desarrolla Holo-notation, un sistema de notación gráfica que trata de tender puentes entre la música acústica y la música electrónica digital. Kara-Lis plantea una reflexión sobre las diferencias entre lo «tangible» de los cuerpos resonantes –los instrumentos acústicos- y lo «intangible», la abstracción del código en la música digital.

«Un sistema de notación es algo muy determinista. Muy jerárquico y que de alguna manera determina el comportamiento. Por eso, tienes que ser muy ético cuando trabajas en él. Cuando llegué a la solución de la rejilla y el círculo, me di cuenta de que era una forma ética, inclusiva y no problemática culturalmente: todo el mundo se siente cómodo con esta representación», explica Kara-Lis.

Durante su residencia trabaja con el asesoramiento del compositor Alberto Bernal.

El río Ebro, elemento vertebrador de la geografía física y política de nuestra ciudad, se convierte en protagonista de esta residencia. El río pasa a ser punto de encuentro de músicos, atmósfera cargada de historias y experiencias y, por supuesto, fuente de sonido para crear una colección de músicas que se materializan en forma de mapa sonoro creativo.

El Ebro no Guarda Silencio parte de grabaciones sonoras localizadas en puntos estratégicos y específicos del recorrido fluvial del río Ebro dentro de Zaragoza, definidas por la transitoriedad social de la perturbación sonora urbana, y se expande mucho más allá gracias a un selecto grupo colaboradores. Justo Bagüeste se rodea aquí de algunos de los músicos que le han acompañado a lo largo de su carrera, así como de nuevas influencias y sonoridades representativas de la vida en la ciudad.

Colaboradores: Carlos Grassa Toro, Juanjo Javierre, Miguel Ángel Ortiz, Susana Cáncer, Suso Saíz

Kyoka se vuelca en un mundo de sonidos normalmente despreciados, las sombras de los sonidos, su reflejo en el espacio, y se pregunta sobre el marco temporal que los contiene.

Frame in 100 Years es un directo audiovisual especialmente concebido para la sala reverberante del Laboratorio de Sonido de Etopia. Cuidadosamente diseñada por Imar Sanmartí como sala de grabación para un estudio, este espacio quedó sin terminar en el proceso de construcción del edificio. El resultado es un volumen de unos 1000 m3, con una reverberación de casi 5 segundos. Kyoka utiliza estas excepcionales condiciones como herramienta creativa para explorar un fenómeno que le fascina desde pequeña: la sombra sin el cuerpo, la cola de música que suena en un auditorio cuando la orquesta termina de tocar. Fenómenos abstractos como este suelen ser el motor del proceso creativo de la artista, que lo explica así:

“Lo abstracto se vuelve concreto. El tiempo modifica las cosas concretas con facilidad. Observémoslo”.

Para generar las proyecciones en directo la artista utiliza los prototipos de su proyecto hermano Score, también en residencia en FUGA, con el que explora el efecto que los haces de luz producen al atravesar contenedores de agua en vibración.

Score es una instalación que consigue dotar de cuerpo físico a los sonidos electrónicos y hacer visible, casi tangible, el comportamiento de las ondas sonoras en el espacio. Esta instalación es la última pieza en una serie de exploraciones sobre el efecto que los haces de luz producen al atravesar contenedores de agua en vibración, una exploración que Kyoka viene desarrollando desde hace tiempo, incluso antes de comenzar su extensa residencia en FUGA en la primavera de 2017.

El interés en este peculiar fenómeno, que permite visualizar las resonancias de las ondas de sonido dentro de los contenedores, haciéndonos experimentar de una manera sensorial la música electrónica digital más abstracta, está íntimamente ligado con la peculiar manera de entender la composición de la artista y con su fascinación por la arquitectura.

Para Kyoka componer música se trata principalmente de organizar el espacio, curiosa forma de referirse a una disciplina tan dependiente del tiempo como es la música. Con Score Kyoka nos acerca a los sonidos, al espacio y al tiempo en sus composiciones, y nos da a entender que por digitales que sean los procesos de generación, todos los sonidos se rigen por las leyes de la física más rudimentaria, de su resonancia en el espacio y, al final, en nuestros cuerpos.

En su residencia artística Sophie Schnell y Oliver Peryman desarrollan un proyecto en torno a la comunicación silenciosa de experiencias interiores. Utilizando una aproximación metafísica a las grabaciones de campo capturan contenido energético en grabaciones de sonido realizadas durante sesiones de meditación en silencio, tanto individuales, como colectivas.

Estas sesiones colectivas se inician en forma de talleres, donde se ofrece una exploración práctica de cuestiones como frecuencia, meditación, heart space o campo cuántico, junto con herramientas para la sanación, la inspiración y el empoderamiento.

John Bence se enamoró del Laboratorio de Sonido de Etopia por su sala reverberante mientras escribía Ansien durante su residencia en FUGA en el año 2015.

En esta segunda visita, concebida como un apéndice de la anterior, John trabaja en la última fase de producción de su segundo disco. Dividido en tres movimientos para voz, violonchelo y percusión, Kill cuenta la historia de un asesinato, suicidio y juicio final a manos de Dios, a través de la lente de un protagonista atormentado.

El proceso de trabajo que le trae de vuelta a Etopia consiste en hacer sonar las nuevas composiciones a través de un conjunto de altavoces dispuestos en la sala reverberante durante un evento público. La respuesta de la sala, y del público en ella, convierte esos sonidos en sonidos vivos, reales, materiales, que son re-grabados y mezclados de nuevo en la música.

Con la colaboración del Coro de Cámara del Conservatorio Superior de Música de Aragón.

Kill fue editado en el sello de Yves Tumor Grooming en 2018 y ha sido presentado en directo en CTM Festival (Berlin), Assembly (London), Rewire Festival (La Haya) y otros espacios de ciudades como París, Utrecht, Newcastle y Manchester.

La residencia de Ashley Paul está dedicada a componer y grabar la música de su disco Lost In Shadows, apenas unos meses tras el nacimiento de su primera hija Cora, que le acompaña en el proceso. La artista se basa en los sonidos de su voz, clarinete, saxofón, teclados y guitarra eléctrica para desplegar su estilo volátil donde las canciones aparecen en el umbral de la improvisación libre.

Lost In Shadows es una exploración catártica del momento vital de la artista, una negociación de lo frágil y lo deslumbrante influenciada, en sus propias palabras, por «muchas horas despierta, de noche, en un estado de entresueño, semi consciencia y oscuridad; un sobrecogedor sentimiento de soledad y cansancio aligerado por un profundo nuevo amor».

Lost in Shadows se editó en el sello discográfico Slip y fue presentado en directo en el Counterflows Festival de Glasgow en 2017.

Epénthesis es un retrato sonoro y visual que la compositora Helena Cánovas hace sobre Etopia, el lugar en el que estuvo en residencia durante 9 meses. Helena parte de la fascinación por la realidad observada y el interés en utilizar elementos cotidianos como material compositivo, con una función musical en lugar de documental, incluyendo “voces habladas de vecinos, el cierzo o el sonido de mis zapatillas andando sobre la Avenida de la Autonomía” como lo menciona en sus propias palabras.

Este trabajo se presenta en dos formatos de forma simultánea: una película sonora y una instalación interactiva. En su formato audiovisual, Epénthesis combina imágenes grabadas en la actualidad con fotografías de archivo que muestran el desarrollo de los barrios colindantes, Delicias y Almozara, desde un pasado semi rural hasta el momento actual, con Etopia como frontera y punto de unión entre ambos barrios.

Cánovas juega con el humor, los límites entre realidad y ficción, y la mirada subjetiva, para crear un acercamiento a la escucha de ese limbo que se encuentra entre lo abstracto y lo narrativo. Queda para el oyente el espacio o la responsabilidad de darle su propio significado.

El formato instalativo de Epénthesis sitúa al visitante en el centro de esos mismos elementos, quien a través de su propia voz interactúa con las imágenes proyectadas alterando el espacio en el que se encuentra. Las voces de los espectadores quedan grabadas en la instalación y pasan a formar parte de la biblioteca de sonidos que la alimenta.

Lewis Roberts trabaja en Cycles2, una pieza electroacústica para ocho instrumentos de cuerda, 8 altavoces y 8 bombillas que explora microtonos, sonido envolvente, desfase y patrones de repetición.

Para ello el artista desarrolla un sistema basado en Max/MSP capaz de comunicarse con los músicos al tiempo que envía sonido pregrabado a los altavoces y gestiona la intensidad de luz de las bombillas, todo ello de manera independiente y controlado en tiempo real.

El sistema sustituye la partitura en papel por mensajes en audio que los músicos reciben a través de auriculares y que les indican lo que deben tocar. Por ejemplo: “Gliss, C3, up, 1 octave, long” indica que debe tocarse un glissando ascendente de larga duración y 1 octava de amplitud empezando en la nota Do 3.

El software desarrollado, junto con los músicos y sus instrumentos, las luces y los altavoces, se convierte en una especie de órgano multisensorial con el que improvisar en tiempo real desde el ordenador.

Este proyecto es la continuación de Cycles1, una pieza comisionada por el Barbican Centre de Londres para el 80 cumpleaños de Terry Riley.

La residencia de John Bence está dedicada a musicar el Salmo 42 del Antiguo Testamento en una pieza para coro y barítono solista. John trabaja en Ansien para las condiciones acústicas específicas del Laboratorio de Sonido de Etopia, con su gran sala reverberante, en colaboración con el Coro de Cámara del Conservatorio Superior de Música de Aragón. Esta colaboración posibilita el método cíclico de composición del artista, en el que grabaciones intermedias son procesadas digitalmente para encontrar nuevas sonoridades, que vuelven a ser transcritas y regrabadas por el coro.

Ansien es una experiencia transformadora que viaja por el espacio creando olas y espirales de sonido vocal, intrincadas disonancias, majestuosos acordes y líneas angulosas. Las diferencias entre los mundos acústico y digital se rediseñan y toman nuevos rumbos.

Ansien fue interpretada en St. George en Bristol por el Concanenda Choir en 2016.